Il y a dix ans, il était déjà difficile d'obtenir un accord sur la définition de la motion design, et je ne suis pas sûr que ce soit plus facile aujourd'hui. Il suffit de regarder l'utilisation du hashtag #motiondesign sur les réseaux sociaux pour se rendre compte que cette discipline est associée à toute forme d'animation (et même d'images fixes).
A l'origine, l'une des façons simples de définir le motion design était la suivante :
Discipline permettant d'aider à véhiculer un message à travers l'animation de design graphique.
De nombreuses personnes comme nos amis Matthieu Colombel (Blackmeal) ou Kook Ewo (Motion Plus Design) travaillent sur cette définition depuis plus de 10 ans.
Des génériques de film du siècle dernier jusqu'à la façon dont bougent vos interfaces numériques en passant par la publicité, ontrouve du motion design aussi souvent que l'on trouve un écran. Le motion design, c'est la forme qui soutient le fond, c'est un outil de communication, et non, ce n'est pas forcément une boucle de 3D abstraite sur Instagram.
Mais au quotidien, c'est un peu plus complexe... ou plus simple !
Je pense que pour la plupart de nos clients en agence ou chez l'annonceur, et depuis longtemps, la définition est restée beaucoup plus basique :
Animation pouvant être produite par une seule personne, mélangeant toutes les techniques et tous les styles, de manière rapide, modifiable et pour un budget réduit.
Lorsque j'ai démarré le motion design en 2007, visuellement la discipline était simple à identifier : tout ce qu'on pouvait faire dans After Effects (ou avec de la 3D basique) impliquant du design graphique, rapidement, et en général seul.
Pour vous donner un petit aperçu de ce à quoi cela ressemblait, voici une compilation de showreels sortis entre 2007 et 2009. #nostalgie
Visuellement, on ne se posait pas de questions, on pouvait facilement identifier du motion design.
Il n'y avait pas de full 3D avec du raytracing photoréaliste. Ce n'était pas du dessin animé. C'était un mix de tout type de medium (photo, vidéo, typo, dessin, 3D, son, etc..), qui était je trouve beaucoup moins uniformisé que le motion d'aujourd'hui (mais c'est un autre débat)..
Aujourd'hui, c'est plus compliqué.
L'évolution technique ayant fait qu'une seule personne peut maintenant produire des animations 3D d'une qualité autrefois réservée aux gros studios, la frontière visuelle entre le motion design et les films d'animation 3D est devenue très fine.
Ajoutons à cela que de nombreux studios de motion design se sont mis à utiliser les techniques de dessins animés traditionnels dans leurs productions, et on obtient ce que l'on appelle le motion design aujourd'hui dans le langage courant : tout type d'animation.
C'est faux, mais en pratique, c'est ainsi que le terme est utilisé.
Maintenant que l'on a essayé tant bien que mal de définir le motion design en tant que discipline, intéressons-nous au métier et aux personnes qui la définisse.
Tout comme le motion design, le profil type du motion designer a évolué au fil des années.
De nouveaux usages sont apparus, et de nouvelles manières de produire de l'animation également.
On a souvent lié notre métier aux outils utilisés. On assumes d'ailleurs toujours fréquemment qu'un motion designer connait forcément After Effects. Et pourtant..
On peut maintenant parfaitement devenir motion designer sans connaître After Effects.
On peut faire du motion design en utilisant seulement de la 3D, ou seulement du dessin animé.
Ce n'est pas la technique que l'on utilise, ni même le style visuel qui fait de nous des motions designers.
C'est le type de contenu que nous produisons : du motion design.
Si l'on résume, c'est assez simple :
Une personne qui fait du motion design.
Mais là encore, je pense qu'il y a un fossé entre l'idée que nous avons de notre métier, et la perception qu'en ont nos clients.
Une personne pouvant réaliser seule et rapidement une production audiovisuelle complète, dans n'importe quel style à partir de presque rien.
C'est là que toute la différence se joue. C'est cette capacité à pouvoir livrer seul un produit fini qui différencie le motion designer des autres métiers de notre industrie.
Le motion designer a une étiquette de personne polyvalente, bricoleuse, qui trouvera toujours une solution pour sortir une vidéo dans les temps, peu importe la technique.
Un motion designer peut faire de l'animation 3D, oui.
Mais il peut également faire du montage, de l'illustration, du compositing, de l'étalonnage, de la réalisation, des storyboards, voir même du sound design.
Bref, un motion designer, c'est quelqu'un qui est loin d'être expert en tout, mais qui peut sortir une vidéo finalisée seul.
Cela ne veut pas dire que le motion designer est forcément solitaire, bien au contraire. Mais je pense que c'est une des caractéristiques différentiantes principale par rapport aux autres métiers de l'audiovisuel.
Un motion designer peut faire de l'animation 3D, et comme il doit tout savoir faire seul, pour y arriver il doit parfois faire également un peu de modélisation et de rigging. Mais il ne sera jamais un expert en animation de personnage 3D. Par contre un animateur de personnage 3D ne pourra pas forcement faire de motion design. D'ailleurs, un très bon animateur spécialisé ne fera pas forcément de modélisation, ni de rigging. Tout comme un bon compositeur sur Nuke ne fera pas forcément d'animation 3D ou de rendu.
Car il faut bien comprendre une chose : pour atteindre une certaine qualité dans les productions animées, il n'y a pas beaucoup de solutions : y passer beaucoup de temps seul, ou faire équipe et produire ensemble des merveilles.
La plupart des projets réalisés par les agences de publicités et dont la production est sous-traitée aux studios sont majoritairement conçus en équipe, parfois très nombreuses.
Pour rappel, les grand studios de "motion design" réputés dans notre milieu (Buck, ManVsMachine, GoldenWolf, etc..) n'emploient pas toujours des motions designers pour produire leurs animations. Ils font aussi (voire surtout) appel à des animateurs 3D et 2D, des modeleurs, riggeurs, illustrateurs, storyboarder, des FXs artists spécialisés en simulations et animations procédurales, et même des développeurs (GMUNK crée parfois ses propres outils, comme beaucoup d'autres studios).
Cependant, beaucoup de leurs réalisateurs sont d'anciens motion designers. (Ils sont d'ailleurs souvent de très bons réalisateurs, leurs expériences de motion designer leur ayant appris à connaître toutes les étapes de la production).
Il est toujours très intéressant de regarder les crédits d'une réalisation, pour mieux comprendre les profils impliqués. Car même si les motion designers sont souvent mis en avant dans la communauté, dans les faits, ce sont souvent des artistes spécialisés qui interviennent en équipe sur les productions les plus ambitieuses en motion design.
Pendant presque une décennie, il était plutôt simple de répondre à cette question. Quand quelqu'un me demandait quel logiciel il fallait apprendre pour devenir motion designer, je lui répondais selon les périodes :
Mais aujourd'hui.. eh bien aujourd'hui les possibilités n'ont jamais été aussi nombreuses !
Je ne sais donc plus vraiment répondre avec certitude à cette question.
Mais pourquoi pas à la place Blender et Cavalry ?
Ou bien partir sur du temps réel avec Unreal Engine ou Unity ?
Ou bien partir sur Houdini associé à Fusion ou Nuke ?
Ou alors s'affranchir de tous les problèmes techniques et se concentrer sur l'illustration et l'animation (plus ou moins) traditionnelle avec Animate, TV Paint, Quill ou autre ?
Mais ne pas oublier Substance Painter, Marvelous Designer, Zbrush, World Creator qui vous aideront grandement pour obtenir les styles et effets à la mode.
Et en même temps, les outils de compositing en temps-réel comme Smode semblent vraiment prometteur..
Ou peut-être directement du Machine Learning et les GANs pour générer de toutes nouvelles formes de créations assistées par l'intelligence artificielle ?
Le monde des outils créatifs est en pleine effervescence, boosté par les avancées matérielles et logiciels de ces dernières années. Et le FOMO associé n'a jamais été aussi présent. Il faut bien pourtant faire des choix.. !
Une hypothèse populaire est qu'il faut passer au moins 10 000 heures sur un sujet pour en devenir un expert. A raison de 8h par jour, tous les jours ouvrés, cela correspond à peu près à 5 ans de travail sur le même logiciel (période à l'issue de laquelle on devient également senior). Je pense qu'en réalité, cela peut prendre beaucoup plus de temps en fonction de ce que l'on souhaite apprendre. Pour des packages 3D complets comme Cinema 4D ou équivalent, il faut bien plus que 5 ans pour en maîtriser tous les aspects.
Il semble donc très difficile d'être à l'aise sur tous ces nouveaux outils en même temps en une seule décennie. On en choisit donc en général un ou deux, qui seront nos outils principaux et qui accompagneront nos créations durant plusieurs années. Plus le temps passe, plus nous sommes à l'aise dans notre façon de travailler, et plus il est difficile de repartir à zéro sur un nouveau logiciel, tout en sachant qu’il le faudrait.
Combien d'utilisateurs de Cinema 4D sommes-nous à nous dire depuis des années que nous serions mieux sur Houdini que sur X-Particles ?
Combien d'utilisateurs d'After Effects sommes-nous à nous dire que nous serions plus efficaces sur Nuke (ou autre logiciel nodal) pour le compositing de nos passes 3D ?
Il est cependant très dur de se former sur un nouveau logiciel tout en continuant à travailler, dans le but d'obtenir la même aisance en production. Ce n'est pas impossible, et beaucoup font des "switchs" dans leurs carrières. Mais il faut beaucoup de temps et de rigueur pour y parvenir. C'est sûrement quelque chose qui est plus facilement réalisable pour les freelances que pour les salariés à temps plein.
Personnellement, j'essaie d'apprendre Unreal Engine, Houdini et Nuke, depuis plusieurs années. Mais pour les besoins des productions courantes, j'ai aussi dû apprendre en priorité des dizaines de plugins, des moteurs de rendus, de nouveaux logiciels de texturing ou modeling simples à appréhender comme Substance Painter ou World Creator. Je n'ai au final jamais eu vraiment le temps de me lancer sur un nouveau package complexe en dehors de Nuke. Je pense de toutes façons qu'il est utopiste de penser pouvoir maîtriser plusieurs logiciels de ce type à un niveau professionnel, sans pouvoir se concentrer dessus pendant plusieurs années.
On vous dira souvent que le plus important, c'est de développer votre fibre artistique, et que les outils ne sont que des outils, ce n'est pas essentiel. C'est d'ailleurs là-dessus que les écoles devraient se concentrer. Votre sens de l'animation, de la composition et de la narration que vous développerez pendant des années sont vos plus grandes qualités, et elles vous suivront dans tous les logiciels. Et c'est vrai ! Mais..
Au quotidien, vous reviendrez toujours sur le logiciel dans lequel vous êtes à l'aise pour répondre à une demande du client qui sera très souvent urgente.
Il faut donc choisir. Et bien.
Le choix de vos outils dépendra du style de créations vers lesquelles vous souhaitez vous dirigez.
Pendant presque 10 ans, un motion designer pouvait arriver à reproduire à peu près tous les styles présents dans l'univers du motion design de son époque, avec seulement 1 ou 2 outils. J'ai par exemple réalisé pendant 6 ans 100% de mes créations uniquement sur After Effects, et je ne me sentais pas vraiment limité à l'époque, par rapport à ce qu'était la demande du marché en motion design.
Mais aujourd'hui, de nombreux outils sont disponibles, et plus appropriés que d'autres pour créer certains types d'animation.
Cet avis est donné dans le cas de motion design réalisable par une seule personne, comme c'est souvent le cas lorsque l'on débute. Si vous souhaitez directement vous spécialiser en simulation de fluides ou l'animation de personnages, cela ne sera pas forcément du motion design mais de l'animation 3D et des FXs, où d'autres logiciels seront plus adaptés.
Si je devais recommander des logiciels à apprendre en plus d'After Effects pour se lancer dans le motion design aujourd'hui, ce serait Cavalry pour la 2D, et Blender ou Cinema 4D pour la 3D (et aussi la 2D).
Aussi, et même si ce n'est qu'un avis personnel : investir du temps dans l'apprentissage d'un logiciel 3D aujourd'hui est ce qui vous permettra de faire tenir votre carrière le plus longtemps possible, et ce peu importe le style graphique que vous souhaitez produire..
Les logiciels 3D sont plus aptes à s'adapter aux formats de diffusion futurs. La réalité augmentée se base sur de la 3D, la réalité virtuelle se base sur de la 3D, les jeux vidéo se basent sur de la 3D. Et la vidéo de demain sera peut-être elle aussi en 3D.
En travaillant dans un logiciel 3D (même pour faire de la 2D), vous pourrez toujours exporter vos animations dans des formats compatibles avec les futurs media.
Il serait dommage de démarrer une carrière aujourd’hui en se limitant seulement aux formats vidéos d’After Effects, qui ne permettent pas de passerelles simples avec tous ces nouveaux formats et usages (A l’exception de Bodymovin associé à Lottie pour les exports d'animations en code utilisable sur le web ).
Ceci étant dit, découvrons ces logiciels !
Ce logiciel s'annonce comme un concurrent plus que sérieux d'After Effects sur le terrain de l'animation 2D. Il apporte toute l'innovation qu'aurait dû avoir After Effects : principe de générateurs et de modificateurs comme dans Cinema 4D, animation procédurale, intégration de datas externes, et même.. des dossiers !
L'approche totalement procédurale du logiciel est vraiment le point le plus important pour du motion design. Cela permet de modifier des animations à tout moment sans devoir tout refaire. C'est crucial dans notre métier, soumis de manière très fréquente aux changement clients de dernière minute.
Si vous voulez en apprendre plus sur la logique derrière Cavalry, je vous invite à lire cet article de Chris Hardcastle : Introducing Cavalry. Il résume le logiciel ainsi :
“Cavalry est une toute nouvelle application d’animation 2D combinant la puissance et la flexibilité de la 3D avec la facilité d’utilisation de la 2D.”
Si je devais refaire du motion design 2D aujourd’hui, je n’hésiterais pas une seconde à me lancer sur ce nouvel outil.
Le développement est rapide, et la communauté grandissante de bêta-testeur semble ravie. Hâte de voir ce logiciel évoluer au cours des prochaines années. La concurrence est clairement ce qui manquait à After Effects, et cela lui sera je l’espère bénéfique.
Blender est un logiciel open-source libre et gratuit, ce qui en soi est déjà un argument très intéressant pour toute personne démarrant dans la 3D. Mais ce n'est plus le seul.
Longtemps mis de côté par le monde professionnel, les plus gros studios sont aujourd'hui en train de s'y intéresser de très près, et le développement des fonctionnalités évolue très rapidement.
Epic Games (Unreal Engine, Fortnite) a fait don de 1,2 millions de dollars sur 3 ans pour financer le développement du logiciel. Cela permet à la fondation Blender de professionnaliser son équipe de développement avec des embauches à temps plein. Mais ce ne sont pas les seuls. Ubisoft participe également au financement, et a annoncé que son studio dédié aux films d'animation, Ubisoft Animation Studio, utilisera Blender dans leurs productions.
L'ajout récent du support de l'UDIM ou de Pixar USD prouve son envie de séduire l'industrie.
Le vieil adage "n’apprenez pas Blender, vous ne trouverez pas de travail car aucun studio ne l'utilise" ne sera sûrement bientôt plus qu'un lointain souvenir.
Plus il sera utilisé par les studios sur des productions ambitieuses, plus vite les bugs seront remontés et corrigés, et dans quelques années la stabilité devrait être au niveau des autres logiciels.
Depuis la version 2.8, l'interface a été revue et permet un switch beaucoup plus simple pour les personnes venant d'autres logiciels (notamment pour les raccourcis claviers de navigation 🎇).
Au niveau des fonctionnalités, Blender évolue très vite avec une communauté de développeurs très active. Son moteur de rendu en temps-réel Eevee est sûrement le meilleur du marché, et des fonctionnalités comme Grease Pencil le rendent unique.
Grease Pencil est sûrement la fonction la plus intéressante si vous souhaitez produire des animations (semi) traditionnelles en 2D, tout en bénéficiant de la puissance d'un environnement 3D pour construire vos scènes.
Si cela vous intéresse, vous trouverez ci-dessous une présentation sur "L'avenir de l'animation" présentée lors de la conférence Blender en 2018.
Les outils d'animations de Cinema 4D sont pour moi bien plus agréables et performants que ceux d'After Effects, même pour de la 2D. La gestion des splines et du morphing, l'animation de personnages, de caméras, l'espace 3D, l'éclairage.. tout est plus simple et intuitif. L'interface est rapide et fluide, en temps réel.
C'est un point de vue personnel, mais après 6 ans à animer exclusivement sur Cinema 4D, j'ai vraiment du mal à revenir sur After Effects.
Quand je vois le temps que passe certains à mettre en place des rigs complexes avec Joy'stick'sliders pour faire tourner une tête, je me dis vraiment que ce temps serait mieux investi à apprendre un logiciel 3D. Pour obtenir le même style, la mise en place serait beaucoup plus rapide après l'apprentissage de quelques bases sur la modélisation et le rigging simple dans Cinema 4D.
Avec des rendus NPR (Non Realistic Rendering / Toon) ou en utilisant des moteurs de rendu GPU, les temps de calculs peuvent être vraiment rapides. Cela sera évidemment plus long que sur After Effects, mais tout de même assez rapide pour être envisageable même sur des projets aux deadlines serrées, avec seulement quelques secondes par image.
Et puis, vous pourrez faire évoluer votre carrière progressivement vers de la 3D photo-réaliste plus tard si l'envie vous en dit, sans avoir à apprendre un logiciel supplémentaire.
La communauté d'utilisateurs de Cinema 4D réalisant du motion design 3D étant la plus grande, il est très simple de trouver du contenu de qualité pour se former rapidement.
Maxon, l'éditeur de Cinema 4D, a également récemment racheté Red Giant Software (éditeur de nombreux plugins After Effects) ainsi que Redshit (moteur de rendu populaire). Il faut donc s'attendre à de nombreuses nouveautés dans les prochaines années.
La preview technique de leur nouveau moteur nodal offre également de belles perspectives.
Et avec leur nouvel politique tarifaire sous forme d'abonnement, il devient enfin beaucoup accessible aux personnes qui se lancent. Cependant, il est vrai que c'est un investissement, et c'est là ou une solution open-source comme Blender apparait comme un sérieux concurrent.
Difficile de savoir où commencer pour décrire Houdini, tellement les possibilités qu'il offre son vaste. Il s'adresse à des utilisateurs plutôt expérimentés, et est plus difficile à prendre en main que d'autres logiciels 3D.. mais les possibilités techniques et créatives qu'il offre en contrepartie semblent infinies.
Avec son approche entièrement nodale, il permet de mettre en place des systèmes totalement procéduraux et non-destructifs, tout en offrant des performances sur les scènes complexes difficiles à retrouver ailleurs.
Besoin de simuler des liquides sur un tissu en mouvement ? Un immeuble dont l'effondrement provoque des explosions ? Une forêt en feu ou une ville entière ? L'architecture même du logiciel est pensée pour répondre à ce genre de besoins.
Houdini est clairement orienté VFX et simulations 3D complexes, alors peut-il convenir à un motion designer ? La réponse n'est pas si simple.
Personnellement, je pense que la place d'Houdini au sein d'un pipeline motion design dans un studio d'animation 3D est indispensable. Il n'y a qu'à regarder les créations de studios réputés comme Man vs Machine, Future Deluxe, Tendril et bien d'autres pour se rendre compte que des artistes Houdini interviennent sur beaucoup de leurs réalisations.
Mais il s'agit en général d'un travail d'équipe, ou Houdini n'est utilisé que sur certains plans, et pas forcément pour produire les images finales (on exporte souvent les simulations dans d'autres logiciels pour l'éclairage et le rendu).
Pour un motion designer généraliste souhaitant produire des films seuls dans des délais courts, je ne le conseillerais pas forcément. Les choses compliquées sont plus rapides à faire dans Houdini, mais les choses simples.. sont souvent plus longues que dans Cinema 4D 🤫
Simon Holmedal parle de son utilisation d'Houdini pour du motion design 3D.
Je ne peux que vous conseiller l'excellent site Entagma.
Pour : Motion design 3D, jeux-vidéos, expériences interactives, films et effets spéciaux.
Tarif : Gratuit
Il y a fort à parier qu'avant la fin de notre décennie, la grande majorité des contenus audiovisuels seront générés en temps réel, à l'aide de moteur de jeu ou de technologies dérivées.
Grâce aux dernières innovations matérielles et logicielles, les progrès faits dans le domaine de la 3D temps réel en quelques années sont incroyables.
Il est maintenant possible de calculer de l'illumination globale et des réflexions en temps réel, avec une qualité photo-réaliste proche des moteurs de rendu offline traditionnels.
Voici par exemple le type de film que l'on peut aujourd'hui produire dans Unreal Engine 4 :
De nombreux studios 3D ont d'ailleurs présenté ces derniers mois des productions calculées à l'aide d'Unreal Engine, changeant totalement la façon de produire des films d'animations.
Si vous n'êtes pas familier avec la production traditionnelle de films d'animations 3D, il peut être compliqué de saisir l'ampleur du changement qu'apporte Unreal, mais il peut se résumer en un mot : temps-réel.
Si vous utilisez After Effects, la création est proche du temps-réel : on appuie sur la barre espace, et l'on peut voir notre animation se jouer presque instantanément (du moins, jusqu'à CC 2015 .. 😔).
En 3D, même si les moteurs de rendu GPU ont drastiquement réduits les temps de calcul, c'est très différent : on peut attendre de quelques secondes à quelques heures pour calculer une seule image d'un film. Et il faut 25 images pour produire 1 seconde d'animation. Si votre scène 3D met 10min à calculer pour une image sur votre ordinateur, il faudra le laisser tourner 250 heures pour obtenir 1 minute d'animation. C'est pour cela qu'en général, nous passons par des fermes de calculs : de nombreux ordinateurs (parfois plusieurs centaines) calculant en parallèle chacun une image du film. Avec 100 ordinateurs, vous aurez votre film en 2,5 heures.
Que les fermes de calculs soient en local (dans les studios d'animations ayant investi dans leur propre matériel) ou dans le cloud (où l'on loue des serveurs en ligne à la demande), produire des films d'animations 3D est depuis toujours très coûteux, et long.
Et une fois les images calculées, la marge de manoeuvre est très limitée en cas d'un changement d'avis de la part du client.
Pouvoir calculer des films photo-réalistes en temps-réel, avec un matériel relativement abordable, cela va changer beaucoup de choses :
Bien sûr actuellement, Unreal seul ne vous permettra pas la production d'un film, la majorité des assets étant créée ailleurs. Les modèles 3D, les textures, les animations et les simulations sont souvent faites dans d'autres logiciels, puis importées à l'intérieur du moteur.
Cependant, il évolue très vite, et certains outils natifs comme Niagara VFX system semblent très intéressants pour la création d'effets de particules complexes.
Je suis persuadé que de plus en plus de créations seront réalisées dans des moteurs de jeu comme UE4 ou Unity dans les années à venir, et l'apprendre aujourd'hui semble être un bon investissement de son temps pour tout motion designer 3D.
Il est également probable que nos logiciels classiques rattrapent leur retard en implémentant les mêmes technologies, et que les viewports de Blender ou Cinema 4D permettent également la création de contenu en temps-réel (ils progressent déjà en ce sens depuis quelques années).
Intelligence Artificielle, Deep Learning, Machine Learning, Transfer Learning, réseaux neuronaux.. Ces termes vous semblent éloignés du motion design ? Cela risque pourtant de changer dans les prochaine années.
Il est difficile d'appréhender l'ampleur du changement qu'ils vont apporter dans notre industrie, car pour le moment ce sont surtout les développeurs d'outils et de logiciels qui s'amusent avec ces nouvelles formes d'algorithmes. Mais leur puissance se retrouve déjà entre nos mains, et ce n'est qu'un début.
Les applications mobiles grand public ont popularisé la retouche boostée à l'AI, en permettant en quelques clics de faire des modifications de visage convaincantes. Vieillir une personne, remplacer un visage par un autre dans une vidéo, transférer un style artistique sur une photo. Vous avez sûrement déjà été bluffés par la "magie" que permettent ses réseaux neuronaux entrainés.
Ces mêmes technologies sont également utilisées dans les plus gros studios d'effets spéciaux, qui embauchent depuis quelques années des experts en intelligence artificielle pour développer de nouveaux outils de retouches surpuissants. Les équipes de centaines de rotoscopers détourant des images à la main feront bientôt partie du passé. La transposition de visage ou le vieillissement d'acteurs sont maintenant également réalisées à l'aide du machine learning. Une petite recherche "Machine Learning VFX" pourra vous donner un petit aperçu du nombre de tâches sur lesquelles l'IA fait déjà gagner énormément de temps aux studios.
Avec les transferts stylistiques, on peut facilement imaginer des effets qui permettront de changer en un clic le style d'un film par rapport à une référence graphique.
Vous avez filmé votre scène l'été mais vous avez finalement envie d'une version hivernale sous la neige ? Le programme se chargera de générer cette version.
StyleGAN est un projet développé par NVIDIA Research, qui permet de générer des paysages ou des portraits, dont les variations sont infinies. Les résultats sont tout simplement bluffants :
En dehors de l'aspect créatif, la génération d'images et de son avec l'intelligence artificielle apportera également bientôt son lot de problème à la société, mais c'est un autre sujet..
Les futures fakes news enrichies de deep fakes vidéos et audio (où l'on peut faire dire à une personne un message différent de celui réellement enregistré) s'avèreront difficiles à détecter et réguler.
Plus facile à prendre en main qu'Unreal, Unity est également un moteur de jeu permettant de réaliser des animations et des films en temps réel.
Avec son moteur de compositing en temps réel, Smode permet de réaliser des expériences visuelles interactives avec de très hautes performances.
Compositing nodal puissant, standard dans l'industrie des effets spéciaux. Parfait pour traiter les EXRs multi-calques de vos rendus 3D.
Compositing nodal puissant, standard dans l'industrie des effets spéciaux. Parfait pour traiter les EXRs multi-calques de vos rendus 3D.
Une suite logicielle puissante et abordable qui offre un très bon équivalent à la suite graphique d'Adobe.
Une suite de logiciels pour texturer de manière procédurale vos modèles 3D. Difficile de s'en passer une fois qu'on y a goûté !
Création interactive de terrains réalistes. En utilisant le GPU, vous voyez en direct les différents effets appliqués sur votre environnement.
Transformer des créations 2D en personnages facilement animables, à l'aide de votre webcam et de raccourcis clavier.
Un logiciel de création 3D pensé pour la création d'expérience web en 3D temps réel.
Logiciel d'animation 2D directement dans le navigateur. Il permet l'export d'animation sous forme de code, parfaites pour le web et les applications.
Une plateforme pour créer des scènes 3D directement dans le navigateur, et les partager sur le web ou en réalité augmentée.
Permet la création de filtres interactifs en réalité augmentée, et leur publication sur Instagram, Facebook et Messenger.
Tout comme Spark AR, il permet la création de filtres complexes et interactifs en AR, et leur publication sur Snapchat.
Peindre en 3D directement dans un casque de réalité virtuelle, et créer de nouvelles formes de narrations. Les créations faites par la communauté d'animation VR sont impressionnantes !
